Hors les murs - Les Cris de Paris

Avant-propos

RITUELS

Les œuvres vocales du vingtième siècle que nous entendrons ce soir mettent en lumière les liens particuliers, et très divers, qu'a entretenu la musique moderne avec l'inspiration religieuse.

Jusqu'à l'aube du romantisme, une part considérable de la musique était destinée à la liturgie ; et durant tout le XIX^e siècle encore, les grands compositeurs ont écrit des messes, des oratorios, des requiems – quand bien même leur lien personnel avec la religion était parfois distant. Inversement, la naissance de la musique moderne, dans les premières années du XX^e siècle, coïncide avec une quasi disparition de cette tradition religieuse. Le vent de liberté qui touche alors les compositeurs face aux conventions musicales semble également les éloigner des croyances et des églises : on ne trouve quasiment aucune page de musique liturgique chez Debussy, Strauss, Mahler, Ravel, Bartok, Roussel, ni dans les premiers chefs d'œuvres de Schönberg ou Stravinski – et cet état d'esprit va perdurer au moins jusqu'aux années vingt où les jeunes compositeurs d'avant garde, comme Darius Milhaud ou Honegger, préféreront se tourner vers l'antiquité grecque, ses chœurs et ses héros, plutôt que vers la religion chrétienne !

Il faut souligner, cependant, que la musique moderne naissante, tout en abandonnant les formes liturgiques traditionnelles, cherche d'autres sources d'inspiration qui la conduisent vers l'exotisme, vers l'héritage folklorique, mais aussi vers les sources primitives et rituelles de la musique. L'abandon des messes va de pair avec des formes de transes, d'incantations musicales, qu'on trouve déjà chez Stravinski dans Le Sacre du printemps, puis dans les sonneries de cloche et chants de mariage des Noces... Autant de façons de retourner aux origines du religieux et à des formes d'envoûtement musical qu'on retrouvera tout au long du XX^e siècle, notamment chez les compositeurs répétitifs

Il faut toutefois attendre les années trente pour voir la religion, dans son aspect plus conventionnel, faire un véritable retour chez nombre de grands compositeurs. Après la Symphonie de Psaumes du même Stravinski en 1930, c'est notamment le cas de Benjamin Britten ou d'Olivier Messiaen, avec qui le catholicisme fait un retour fracassant dans la musique d'avant-garde.

Au delà de la foi personnelle des musiciens, on peut tenter de relier cette évolution au contexte particulier des années trente. D'abord, selon cette loi qui oppose chaque génération à la précédente, les compositeurs du groupe Jeune France, comme Messiaen ou Jolivet, veulent soudain en finir le néo-classicisme joyeux et un peu futile des années vingt, pour remettre en avant une mission plus élevée de la musique. Mais il faut tenir compte aussi d'un climat plus général, dans cette Europe en crise, où la montée du totalitarisme et l'approche de la guerre semble rendre à l'inspiration des artistes un surcroît de gravité.

Pour les mêmes raisons, le retour de la musique religieuse va s'accélérer encore dans les années quarante : comme si la violence, la mort, puis la découverte des camps de concentration et la bombe d'Hiroshima donnaient aux compositeurs une soudaine responsabilité, au delà du simple divertissement et des pures recherches formelles : après Messiaen, un compositeur comme Francis Poulenc se tournera de plus en plus vers la musique religieuse dans la seconde partie de sa vie. Et l'on verra Arnold Schönberg, en exil en Amérique, redécouvrir à la fois ses racines juives et l'inspiration religieuse dans plusieurs psaumes comme celui que nous entendrons tout à l'heure.

J'ajoute, même si cela va au delà de notre programme, que ce regain d’intérêt pour la musique religieuse, chez les compositeurs occidentaux, sera suivi par une seconde vague plus puissante encore, venue d'Europe de l'est. De Pologne en Russie, les Penderecki, Arvo Pärt, Schnittke et beaucoup d’autres vont se tourner massivement vers le répertoire religieux avant même la chute des régimes communistes. Cette soudaine floraison de messes, d'oratorios, de requiems, dans les dernières années du XX^e siècle, semble donner raison aux propos d’André Malraux sur le devenir religieux de notre civilisation.

Ce cadre historique étant posé, il revient à chaque compositeur d'apporter son propre regard sur la question religieuse, et notre programme montre aussi la grande diversité de ces approches poétiques, spirituelles et musicales.

Benjamin Britten, le plus grand compositeur anglais du XX^e siècle, est l'héritier d'une très riche tradition de chant choral remontant aux oratorios de Haendel et aux musiciens de la Renaissance. C'est pourquoi sans doute ce répertoire occupe une place privilégiée dans son œuvre, à la frontière du profane et du sacré. Son Hymne à Sainte-Cécile, patronne des musiciens, a été composé en 1942, à bord du navire qui ramenait le compositeur d'un voyage aux États-Unis. Ce magnifique chœur mixte à cinq voix sur un poème du poète Auden, grand ami de Britten, comporte trois parties contrastées qui terminent toujours par le même vers disant « Cécile bienheureuse apparaît en vision à tous les musiciens ». Vous noterez également, à la fin de la troisième partie, les imitations d'instruments, violons, tambour, flûte, trompette, dont les sonorités sont évoquées par la voix humaine.

Nous entendrons également Corpus christi carol, extrait de A Boy was born : une des premières œuvres chorales de Britten, dans laquelle figure morceau écrit pour les seules voix aiguës sur un texte religieux de la Renaissance.

J'ai souligné en préambule la place centrale occupée par la foi catholique et toute son imagerie dans l'inspiration d'Olivier Messiaen. Les thèmes religieux sont omniprésents dans sa musique d'orgue, sa musique instrumentale, sa musique d'orchestre ; mais, curieusement, il n'a publié qu'une seule pièce vocale liturgique : O sacrum Convivium où l'on voit comment Messiaen, à la fin des années trente, est déjà pleinement maître de son inspiration et de son style. Cette motet à quatre voix mixtes, dédiée au Saint-Sacrement, nous plonge dans cette délectation mystique, d'une grande suavité harmonique, qu'on retrouvera tout au long de l’œuvre du compositeur.

Francis Poulenc, de son côté, a toujours eu deux visages : le moine et le voyou, comme il disait lui même... La part du moine, discrète dans ses jeunes années, s'affirmera progressivement dans son œuvre, jusqu'aux grands compositions de la fin de sa vie, Gloria ou Stabat Mater. Et il nous en montre l'aspect le plus dépouillé dans ses Quatre petites prières à Saint-François d'Assise, composées à Noizay en 1948 sur des textes de Saint-François lui même. : « Salut dame sainte », « Tout puissant, très saint », « Seigneur, je vous prie », « O mes très chers frères ». Écrite pour de jeunes moines franciscains à la demande de frère Jérôme, le petit neveu de Poulenc, cette musique d'apparence très simple dans son écriture à deux voix, est toujours subtile dans ses harmonies.

Trop peu connu en France, Samuel Barber a néanmoins signé une des pages les plus célèbres de la musique américaine, son fameux adagio, composé d'abord en 1936 pour un quatuor à cordes, puis décliné dans d'innombrables versions et reprises, dont cet Agnus Dei pour chœur de 1967 dont vous reconnaîtrez immédiatement le thème.

Mais vous reconnaîtrez également, pour certains d'entre vous, la musique du Lux Aeterna de Giörgy Ligeti – composition tout à fait avant-gardiste, rendue célèbre par l'utilisation qu'en a fait Stanley Kubrick dans son film 2001, l'odyssée de l'espace. Ce chœur mixte a cappella, créé à Stuttgart en 1966, se rattache directement au Requiem de Ligeti composé l'année précédente. Il emploie d'ailleurs le texte de communion de la messe des morts que le compositeur hongrois n'avait pas retenu dans son Requiem. Cette œuvre marque aussi l'épanouissement du langage particulier de Ligeti, qui aura une si grande influence sur la musique contemporaine : cette « micropolyphonie » aux lignes enchevêtrées, créant une transformation continue, proche de celle du kaléidoscope, et glissant librement du tonal à l'atonal dans les cinq parties de la composition : lux aeterna, domine, requiem, domine, lux aeterna.

Avec Zoltan Kodaly, nous remontons à l'un des pères de la musique moderne, qui joua un très grand rôle dans la vie musicale hongroise, et qui s'attachait particulièrement à l'éducation musicale populaire ; d'où l'importance considérable de la musique chorale dans son œuvre. Il a laissé l'un des plus vastes catalogues du genre, abordant tous les domaines, chœurs populaires, amoureux, guerriers, historiques, mais aussi religieux. La pièce que nous entendrons Elso alsodas, qui signifie « première communion », est une prière au Saint Sacrement, sur un thème grégorien hongrois du XII^e siècle, écrite pendant la guerre pour inviter à délaisser « les affaires du monde et sa folie ».

Arnold Schönberg, le père de la musique dodécaphonique, signe de son côté l'une des œuvres les plus étonnantes du programme : ce De Profundis de 1950, qui est la dernière partition achevée par le compositeur avant sa mort aux États-Unis, l'année suivante. Le mouvement de Schönberg vers l'inspiration religieuse était lié notamment à la création d'Israël et à la redécouverte de ses racines juives, comme en témoigne ce texte du De Profundis chanté en hébreux. Cette composition dodécaphonique, très saisissante, se caractérise aussi par son mélange des voix chantées et des voix parlées d'une écriture purement rythmique.

Enfin, Jean-Louis Florentz qui refermera ce programme témoigne de la vitalité de la musique religieuse en France, dans le sillage d'Olivier Messiaen, et de toute cette lignée de compositeurs organistes qui se prolonge aujourd'hui avec Escaïch et tant d'autres. Précocement disparu en 2004, Jean-Louis Florentz a marqué en quelques années la musique contemporaine française par l'extraordinaire qualité de ses œuvres : poèmes d'orchestre qui mêlent l'héritage symphonique de Debussy et Ravel aux inspirations extra-européennes, mais aussi grandes compositions religieuses comme son Requiem de la vierge ou Asmara, écrit à Jérusalem au cours d'un séjour dans la communauté orthodoxe éthiopienne, et qui propose une très belle synthèse entre la musique moderne et une tradition vocale non occidentale.

                                                                       Benoît Duteurtre