Mozart, l'oiseleur illuminé
Avant-propos
Airs de cour et musique baroque française
On appréhende toujours de parler de Mozart. D'un côté parce qu'il représente l'un des sujets les plus mystérieux de l'histoire musicale : comment saisir l'essence même du génie, dans ce qu'il a d'indéfinissable ? Mais aussi, paradoxalement, parce que ce mystérieux sujet a inspiré depuis deux siècles une littérature surabondante.
De fait, Mozart est probablement, avec Wagner, le compositeur qui a suscité le plus grand nombre de volumes ; et l'on peut se demander raisonnablement pourquoi, par exemple, Bach ou Beethoven n'ont jamais passionné les chercheurs dans les mêmes proportions. Tout juste pourrait-on avancer, dans le cas de Wagner, que les liens de son œuvre avec la littérature, le théâtre, l'histoire, la politique justifient cette glose ininterrompue ; tandis qu'au contraire, dans le cas de Mozart, c'est justement le grand point d'interrogation qui constitue le sujet récurrent et inépuisable ? Comment un homme aussi simple d'apparence a-t-il pu produire une œuvre aussi abondante et supérieure ? Pour répondre à ces interrogations, des générations de musicographes, tels Köchel, Oulibicheff, Wyzeva et Saint Foix, Hocquard, Hildesheimer se sont attachés à reconstituer, à ordonner, à éclairer la vie et l’œuvre de Mozart. Et aujourd'hui encore, pour le meilleur et parfois pour le pire, on voit chaque mois des journalistes, des écrivains à la mode, des philosophes apporter leur petite pierre à la réflexion mozartienne, sans refermer durablement la question.
Je ne prétendrai donc pas, ce soir, apporter moi même une clé supplémentaire au génie de Mozart. Mais je voudrais rappeler que, parmi les éléments d'explication les plus plausibles, il faut bien sûr mentionner cette concordance temporelle entre l'apparition d'un talent exceptionnel et l'épanouissement d'un style musical arrivé à maturité : ce fameux classicisme viennois dont Mozart sera, avec Haydn et Beethoven, la principale incarnation. Au cours des décennies précédentes, l'école de Manheim, puis Joseph Haydn ont fixé peu à peu ce modèle appelé à s'imposer au moins jusqu'au milieu du XIXe siècle : avec sa forme sonate, ses principes de développement, son style mélodique, sa division en trois ou en quatre mouvements. Baigné dès sa prime jeunesse dans cet esprit musical, Mozart semble se l'accaparer, puis s'y épanouir avec autant de spontanéité que de naturel. Ainsi, dès qu'il écrit les premières notes d'un mouvement, on a l'impression qu'il possède une vision claire du mouvement tout entier comme si les œuvres s'organisaient spontanément sous ses yeux. Voilà qui explique au moins l'abondance, sinon la qualité de l’œuvre... tandis que Beethoven, lui, aura plutôt pour tâche de faire évoluer le modèle en abordant chaque œuvre comme une question.
Au temps de Mozart, au contraire, le nouveau style classique semble tellement souverain qu'aucune question ne semble se poser, et qu'il n'est pas toujours aisé de distinguer un compositeur d'un autre, comme nous le prouvent ces merveilleux duos pour violon et alto Köchel 424, longtemps attribués à Michaël Haydn – le jeune frère de Joseph, quand bien même ils furent en réalité composés par Mozart en 1781.
Mozart et Michaël Haydn étaient amis. Ils se trouvaient également tous deux soumis au bon vouloir du terrible archevêque de Salzbourg, Colloredo, qui avait commandé à Michel Haydn cette série de duos. Celui ci étant tombé malade, et dans l'incapacité d'honorer sa commande, Mozart a pris le relais pour composer les deux derniers duos, K 423 et 424, sous la signature de son ami, sans que l'archevêque s'aperçoive de la supercherie. Dans ces pages dépouillées pour deux cordes seules, Mozart respecte donc les canons du style classique, non sans imprimer, discrètement, quelques trouvailles personnelles qui traduisent la supériorité du génie. On notera en particulier que loin de s'en tenir à la formule conventionnelle d'un violon solo accompagné par l'alto, il s'autorise un jeu de lignes entrecroisées, témoignant de sa science contrapuntique. La partition suit le plan traditionnel d'une sonate en trois mouvements ; mais on y sent aussi, dès l’introduction, puis dans les développements, une veine mélodique extraordinaire, ou encore une forme d’originalité dans l'utilisation des doubles cordes et dans maintes trouvailles harmonique et rythmiques.
Après les difficiles années de Salzbourg, on sait que Mozart allait faire le pari, décisif dans sa vie et dans l'histoire musicale, de s'affranchir de la tutelle princière, pour mener à Vienne l'existence de compositeur indépendant. Ainsi allaient naître ses principaux chefs d'œuvres, dans un échange étroit avec les modes, le style de l'époque, l'exigence du public que Mozart ne prendra jamais à la légère. Or, c'est justement pendant ces années viennoises que se répand le goût pour les ensembles d'harmonie.
Au temps de Haydn, les divertissements pour ensembles à vents, servaient surtout de « musique de table » dans les cours princières. Mais les choses vont changer lorsque l'empereur Joseph II établit, en 1782, son propre ensemble d'instruments à vent, soudain promu au rang de modèle pour les compositeurs de l'époque, avec ses paires d'instruments : deux hautbois, deux clarinettes,deux cors et deux bassons, soutenus par une contrebasse. Le répertoire de ces formations puise dans les succès scénique de l'époque et propose des transcriptions des airs et ensembles d'opéras. Mozart lui même, adaptera ainsi certaines pages de L’Enlèvement au sérail, mais c'est un célèbre hautboïste, Georg Tribensee qui va se charger de l’adaptation de Don Giovanni après la création de l'opéra en 1787. Il reprend dans cette partition, dont nous allons entendre quelques extraits choisis, une grande partie de l'opéra, en privilégiant les airs ou les duos, au détriment des passages plus symphoniques comme la mort du Commandeur, évidemment difficile à rendre par un simple ensemble à vents. Vous goûterez en tout cas, je pense, la saveur de ces timbres dans quelques uns des morceaux les plus célèbres de Mozart.
Enfin, pour conclure, nous sommes particulièrement heureux d'accueillir l'un des grands pianistes d'aujourd'hui, Nicolas Angelich, dans un des plus beaux concertos de Mozart, le Concerto n°17 en sol majeur, K.453
J'insisterai d'abord sur l'importance de cette œuvre, parce que c'est presque un lieu commun de penser que les vastes compositions, les sophistiquées, les plus tragiques, représentent forcément le meilleur d'un compositeur. En ce sens, l'attention se fixe plus plus souvent sur les derniers concertos de Mozart, à partir du vingtième, et l'on considère parfois, avec moins de passion, les neuf concertos intermédiaires composés entre 1782 et 1784, du n° 11 au n° 19, en raison sans doute de leur apparence plus divertissante. Comme le disait Mozart lui même à propos des premiers concertos de cette brillante série : ils « tiennent un juste milieu entre le trop difficile et le trop facile ; ils sont très brillants, agréables à l'oreille, sans bien entendu sombrer dans la pauvreté. Ça et là seuls les connaisseurs en tireront satisfaction – mais de telle manière que le non connaisseur sera content sans savoir pourquoi. Pour obtenir le succès, il faut écrire des choses si compréhensibles qu'un cocher pourrait les chanter ensuite ».
Nous voilà bien loin de la morale puritaine du créateur, ou de l'exigence d'éducation sévère du public. Non, Mozart veut nous divertir, et c'est ainsi qu'il atteint un des sommets de son œuvre, dans des compositions extraordinairement riches, équilibrées, tour à tour joyeuses et mélancoliques et conçues avec une incroyable facilité : son quatorzième concerto est achevé le 9 février, le quinzième le 15 mars, le seizième le 22 mars, le dix-septième le 12 avril. A peine deux mois pour quatre chefs d’œuvres.
Plus précisément, le concerto n°17 fut écrit pour son élève Barbara Ployer, qui allait le créer à Döbling le 13 juin 1784, devant une brillante assemblée comprenant notamment le compositeur Paisiello – cher à Napoléon. Il s'ouvre par un Allegro d'une liberté d'écriture proche de la fantaisie ; se poursuit dans un andante aux allures d'improvisation sublime, où l'on ne sait trop ce qui l'emporte des larmes ou des sourire ; et culmine dans un finale en deux parties, allegro et presto – celui-ci particulièrement célèbre parce que certains musicologues y ont vu une préfiguration du thème de Papageno. Il paraît en tout cas que le sansonnet de Mozart connaissait par cœur ce dernier thème plein de fraîcheur et de drôlerie.
Ce dix-septième concerto est, en tout cas, souvent considéré comme particulièrement remarquable par son équilibre ; mais aussi pour son traitement du piano qui cherche moins l'effet de virtuosité qu'à se fondre dans l'orchestre. Je voudrais d’ailleurs citer, pour finir, quelques lignes d'Olivier Messiaen, fou de Mozart et des oiseaux, qui écrivait en 1964 ce petit texte de présentation pour un concert donné par son épouse Yvonne Loriod : « Achevé le 12 avril 1784, ce concerto est l'un des plus beaux écrits par Mozart, un des plus variés, des plus contrastés. L'andante central, à lui tout seul, suffirait à rendre son nom immortel... Plus que tout autre, ce concerto nous révèle sans doute la partie la plus secrète de l'âme du musicien, son charme, ses sourires, ses tristesses, ses découragements, , ses alternances de désespoir et de folle gaieté, le tout dominé par la profonde sérénité de ceux qui attendent la mort comme passage à une vie supérieure... »
Benoît Duteurtre
Programme
Biographies
Nicholas Angelich piano
Né aux Etats-Unis en 1970, Nicholas Angelich donne son premier concert à sept ans et entre à treize ans au Conservatoire national supérieur de musique de Paris où il étudie avec Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod, Michel Béroff. Il travaille aussi avec Marie-Françoise Bucquet, Leon Fleischer, Dmitri Bashkirov et Maria João Pires. Il remporte à Cleveland le deuxième prix du concours international Robert Casadesus et le premier prix du concours international Gina Bachauer. Sous le parrainage de Leon Fleischer, il reçoit en Allemagne le prix des jeunes talents du Klavierfestival Ruhr.
Grand interprète du répertoire classique et romantique, il donne l’intégrale des Années de Pèlerinage de Liszt. Il s’intéresse également à la musique du vingtième siècle : Messiaen, Stockhausen, Pierre Boulez et Pierre Henry dont il crée le Concerto sans orchestre pour piano. En mai 2003, il fait ses débuts avec le New-York Philharmonic et Kurt Masur. Toujours sous sa direction mais avec l’orchestre national de France, il effectue une tournée au Japon. Vladimir Jurowski l’invite en octobre 2007 en ouverture de la saison à Moscou du Russian National Orchestra.
Nicholas Angelich s’est produit avec les plus fameux orchestres symphoniques au monde : Boston, Philadelphie, Los Angeles, Cincinnati, Pittsburg, Montréal, Toronto, Francfort, Stuttgart, SWR Baden-Baden, Royal Philharmonic Orchestra, London Phiharmonic, London Symphony, Royal Scottish National Orchestra, Scottish Chamber Orchestra, Japan Philharmonic, l’orchestre national d’Espagne, le Rotterdam Philharmonic, l’orchestre de la radio de Stockholm, le Mahler Chamber Orchestra, le Mariinsky Theatre Orchestra, ect ; et en France avec les orchestres de Bordeaux, Lyon, Lille, Strasbourg, Toulouse, Montpellier, Monte-Carlo, l’Orchestre National de France, le philharmonique de Radio France, l’orchestre de Paris. Ce qui lui permit de collaborer étroitement avec des chefs tels que Charles Dutoit, Vladimir Jurowski, Yannick Nézet-Seguin, Tugan Sokhiev, Lionel Bringuier, Louis Langrée, Stéphane Denève, Christian Zacharias, David Robertson, Michael Gielen, Marc Minkowski, Paavo et Kristian Järvi, Kurt Masur, Myung-Whun Chung, Daniel Harding, Sir Colin Davis et Valery Gergiev.
En récital et en musique de chambre il joue à Paris, Lyon, Bordeaux, La Roque d’Anthéron, Toulouse, Nantes, Genève, Bruxelles, Munich, Luxembourg, Brescia, Crémone, Rome, Milan, Florence, Lisbonne, Bilbao, Madrid, Tokyo, Londres, Amsterdam, Verbier, au festival Martha Argerich de Lugano, Mostly Mozart de New York. En musique de chambre, il joue avec Joshua Bell, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai, Renaud et Gautier Capuçon, Jiang Wang, Daniel Müller-Schott, Leonidas Kavakos, Julian Rachlin, Gérard Caussé, Antoine Tamestit, Paul Meyer, les quatuors Ebène, Ysaÿe et Prazak.
Sa discographie particulièrement abondante va de Bach (Variations Goldberg, Virgin classics) à Fauré (la musique de chambre avec Renaud et Gautier Capuçon, Gérard Caussé, Michel Dalberto, le quatuor Ebène, Virgin classics), Liszt, Beethoven, Ravel, Rachmaninov (Mirare, Lyrinx, Harmonia Mundi).
En 2013, il sera en récital au théâtre des Champs-Elysées, à l’opéra de Lyon, au festival Piano aux Jacobins à Toulouse, à Milan, Leipzig et à Lucerne. Il a créé récemment le concerto de Baptiste Trotignon, Different Spaces, avec l’orchestre national de Bordeaux Aquitaine.
Lise Berthaud alto
Née en 1982, Lise a étudié au Conservatoire national supérieur de musique de Paris dans les classes de Pierre-Henry Xuereb et Gérard Caussé. A dix-huit ans, elle est lauréate du concours européen des jeunes interprètes. Elle remporte en 2005 le prix Hindemith du concours international de Genève.
Lise Berthaud joue un alto spécialement réalisé pour elle par Stephan von Baehr.
En 2006, elle forme avec David Grimal, François Salque et Ayako Tanaka le quatuor Orféo qui a présenté notamment au cours de la saison 2008 une intégrale des quatuors de Beethoven sur plusieurs scènes françaises. Lise Berthaud a par ailleurs collaboré avec de nombreux compositeurs dont Philippe Hersant, Thierry Escaich, Henri Dutilleux, György Kurtág, Jérémie Rohrer et Guillaume Connesson dont elle crée l’œuvre pour alto et piano en septembre 2007.
Très présente sur les principales scènes françaises et de prestigieux festivals (théâtre des Champs-Elysées, salle Pleyel, théâtre du Châtelet, festival de Menton, festival de Pâques de Deauville, Côte-Saint-André, Roque d’Anthéron, Folle Journée, Montpellier-Radio France, auditorium du Musée d’Orsay, Salon-de-Provence, festival de l’Epau, de Davos, Louisiana au Danemark, festival de Moritzburg), Lise Berthaud partage régulièrement l’affiche avec des artistes tels que Renaud Capuçon, Eric Le Sage, Augustin Dumay, Pierre-Laurent Aimard, Louis Lortie, David Grimal, Emmanuel Pahud, Gordan Nikollich, Martin Helmchen, Marie-Elisabeth Ecker, Daishin Kashimoto, les quatuors Ebène et Modigliani.
En 2009, Lise est nominée aux Victoires de la Musique Classique comme révélation instrumentale de l’année.
Lors de l’été 2010, elle fait l’ouverture du festival Berlioz de la Côte-Saint-André et se produit par ailleurs au festival Messiaen de la Meije ainsi qu’au festival de Bel-Air. Lors de la saison 2010-2011, elle se produit à la salle Pleyel, aux Moments Musicaux de La Baule, à l’abbaye de l’Epau, à la salle Molière de Lyon, à la MC2 de Grenoble, en tournée en Corée avec le festival de Moritzburg, en soliste au théâtre des Champs-Elysées avec l’ensemble orchestral de Paris, en récital au Palazzetto Bru Zane de Venise ou encore au King’s Place à Londres. Elle prend part dans cette même période aux enregistrements Schumann et Fauré d’Eric Le Sage chez Alpha.
Lors de la saison 2011-2012, Lise fut notamment l’invitée du Iceland Symphony Orchestra (Paul McCreesh), du Hong-Kong Sinfonietta, du festival de Moritzburg et du Sunmore Festival en Norvège.
En soliste, Lise est l’invitée d’orchestres comme le Düsseldorfer Symphoniker, le Sinfonia Varsovia, les Musiciens du Louvre, l’orchestre philharmonique de Wroclaw, l’orchestre philharmonique d’Islande, l’orchestre de chambre de Wallonie, l’orchestre philharmonique de Sao Paulo. Elle joue sous la direction de Paul McCreesh, Marc Minkowski, François Leleux, Fabien Gabel, ou encore Emmanuel Krivine qui l’emmène en tournée avec l’orchestre français des jeunes alors qu’elle n’a que vingt ans.
Amaury Coeytaux violon
Amaury Coeytaux est né le 22 novembre 1984. Il commence le piano à l’âge de quatre ans puis le violon à l’âge de huit ans. Sa progression très rapide lui a permis de rentrer cinq ans plus tard au Conservatoire national supérieur de musique de Paris. Sorti diplômé avec de nombreux prix, il continue ses études à la Manhattan School of Music. Il a étudié avec Micheline Lefebvre, Jean-Jacques Kantorow, Patinka Kopec et Pinchas Zukerman.
En 2004, il joue pour la première fois au Carnegie Hall le concerto de Brahms. Depuis lors, il donne beaucoup de concerts et récitals en tant que soliste ou chambriste dans différents pays (France, Allemagne, Suisse, Italie, Autriche, Pays-Bas, Canada, États-Unis, Corée du Sud, Japon), dans de grandes salles telles que Gaveau, Olivier-Messiaen, Kennedy Center, Carnegie Hall, National Arts Center, avec des artistes de renommée internationale comme Pinchas Zukerman, Joseph Silverstein, Joseph Kalischtein, Michael Tree, Marielle Nordmann. Il est l’invité régulier des festivals de Santa Fé, des Arcs, de Deauville, de Cordes-sur-Ciel, de La Chaise-Dieu, de la Folle journée de Nantes et de la fondation Singer-Polignac.
Interprète polyvalent, il défend autant la grande tradition classique que la musique actuelle. Il est un interlocuteur et interprète privilégié de compositeurs contemporains tels Krystof Maratka, Philippe Hersant, Octavio Vaszquez, Thierry Escaich, Kaija Saariaho, Valentin Silverstrov, Sofia Gubaidulina.
Deux ans violon solo de l’orchestre d’Auvergne, il joue avec cet ensemble en tant que chef et soliste pour d’importants festivals dont la Folle journée de Nantes.
Lauréat du concours Lipizer en Italie, Amaury Coeytaux y obtient le premier prix ainsi que cinq prix spéciaux. Il est également lauréat du concours Eisenberg-Fried en 2007, du concours international Julius Stulberg en 2004, du concours Rosalind et Joseph Stone en 2004, Waldo Mayo en 2004, Royaume de la musique en 1997 ainsi que le prix du musée Bonnat pour la meilleure prestation de musique de chambre à l’Académie Ravel en 2002, il impressionne par sa polyvalence et sa maturité.
Amaury Coeytaux est depuis cette année à la demande de Myung-Whun Chung, violon solo de l’orchestre philharmonique de Radio France.
Il joue un violon italien Guadagnini de 1773.
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Yann Dubost contrebasse
Par son engagement, son originalité et son talent, Yann Dubost s’est imposé comme l’un des contrebassistes les plus prometteurs de la jeune génération. Formé au conservatoire de Grenoble (avec Philippe Guaingoin) et au Conservatoire national supérieur de musique de Lyon (avec Bernard Cazauran), il obtient le 1er prix des concours internationaux de Wattrelos (France), Haverhill (UK) et de l’International Society of Bassist (USA). Il est également lauréat du Premio Valentino Bucchi (Rome), de la Swiss Global Artistic Foundation et de la fondation Cziffra (France). À dix-neuf ans, il entre à l’orchestre de Paris. Invité en 2006 comme contrebasse solo au London Symphony Orchestra, il est nommé contrebasse solo à l’orchestre philharmonique de Radio France en 2011.
Soliste de l’ensemble Itinéraire et passionné de musique contemporaine, il a donné de nombreuses créations et travaillé avec des compositeurs comme György Kurtág, Henri Dutilleux, Michaël Levinas, Franck Bedrossian, Carlos Roque Alsina, Ondrej Adamek, Yves Chauris.
Sa discographie comprend des pièces pour contrebasse solo de Richard Wilson (Albany records), Teresa Procaccini (Edipan) et également de Lucien Durosoir avec le quatuor Diotima (Alpha), Georges Onslow avec l’ensemble Initium (Timpani), Gabriel Fauré avec Karine Deshayes et l’ensemble Contraste (Zig-Zag Territoires) et Félicien David en quintette avec Christophe Coin (Laborie). Depuis 2010, Yann enseigne au conservatoire de Bourg-la-Reine-Sceaux.
L’Atelier de musique
L’Atelier de musique (du nom du «hall de musique» de la Fondation Singer-Polignac où l’orchestre, formé de nombreux jeunes solistes et ensembles en résidence à la fondation) est l’orchestre du festival de Pâques de Deauville.
Maria João Pires, Augustin Dumay, Renaud Capuçon, Nicholas Angelich, Jérôme Pernoo, Jérôme Ducros et Emmanuel Krivine en furent les créateurs en 1996, y entraînant cinquante de leurs jeunes collègues d’alors pour quelques concerts d’exception à Deauville, à Paris (salle Pleyel) et au festival de Sintra.
Depuis, Marc Minkowski, Ion Marin, Christopher Hogwood, Bruno Weil, Jérémie Rhorer, Peter Ash, Marius Stieghorst perpétuèrent cette tradition festivalière à la tête de La Philharmonie de chambre puis de L’Atelier de musique. Entre ces deux formations sur instruments modernes, le festival de Pâques créa pour Jérémie Rhorer Le Cercle de l’harmonie sur instruments anciens, toujours en résidence et soutenu par la ville de Deauville.
L’Atelier de musique explore particulièrement le répertoire peu joué mais vaste des sérénades, Kammersinfonien et transcriptions (Brahms, Mahler, Richard Strauss, Hindemith, Stravinski, Schönberg, Berg, Enesco, Eisler, Martinů, Reich, Adams) alliant voix, cordes, vents, claviers et percussions. Sous la direction de Marius Stieghorst, L’Atelier de musique a ouvert le cycle Mahler de l’Opéra national de Paris en janvier 2011 avec un très grand succès. En 2012, c’est le quatuor Ebène et l’ensemble Initium, résidents de la fondation Singer-Polignac, qui réunirent autour d’eux les solistes et les ensembles les plus prometteurs de leur pour réaliser un brillant programme consacré à Bartók. Cette année encore, L’Atelier de musique réunira tous les jeunes solistes du festival de Pâques et de la Fondation Singer-Polignac, pour un programme ambitieux autour de la personnalité rayonnante de l’un des fondateurs du festival de Pâques de Deauville, Nicholas Angelich. C’est Amaury Coeytaux, nouveau violon solo de l’orchestre philharmonique de Radio France, qui à la demande de tous ces jeunes collègues, dirigera du violon cet exceptionnel Atelier de musique pour ses deux concerts annuels à la fondation et à Deauville.
Ensemble Initium
Créé en 2005 dans le cadre du Conservatoire national supérieur de musique de Paris au sein des classes de musique de chambre de Maurice Bourgue et David Walter, l'ensemble Initium est avant tout un octuor à vent formé de jeunes professionnels de la musique s'étant perfectionnés dans la pratique de leur instrument avec les meilleurs représentants actuels de l'école française des bois et des cuivres (Jacques Tys, Pascal Moraguès, André Cazalet, Marc Trenel, Gilbert Audin, Daniel Arrignon), mais aussi une formation a géométrie variable capable de se produire du trio au dixtuor.
L'octuor à vent est une formation originale et peu présente sur la scène musicale française. Le répertoire dédié à cette formation est pourtant riche d’oeuvres originales fondatrices du répertoire.
Reprenant la tradition héritée des interprètes-arrangeurs du XVIIIème siècle, l'ensemble a entamé un travail de transcription d'oeuvres romantiques et modernes. Ainsi il peut interpréter la musique de compositeurs aussi divers que Mendelssohn, Brahms, Wagner, Bizet, Grieg, Elgar, Satie, Prokofiev, De Falla ou Korngold.
L’ensemble Initium est lauréat 2006 du concours européen de musique d’ensemble organisé par la FNAPEC et a obtenu en 2009 un premier prix de musique de chambre mention “Très bien” à l'unanimité avec les félicitations du jury au Conservatoire national supérieur de musique de Paris.
Invité par France Musique, l’ensemble s’est produit dans les émissions de Gaëlle Le Gallic “Dans la cour des Grands”, “Génération jeunes interprètes”, ou encore “En direct des festivals”. Il est également invité à se produire dans différents festivals et lieux prestigieux (Comminges, Orlando, église St Etienne du Mont à Paris, Musique sur Ciel, Concertgebouw d’Amsterdam, Pâques et Août musical de Deauville, théâtre du Châtelet, Palazzetto Bru Zane à Venise.
Depuis 2007 l'ensemble Initium est en résidence à la Fondation Singer-Polignac.
Ses premiers disques consacrés à l'intégrale de l'oeuvre de musique de chambre avec vents de George Onslow, (Timpani, 2011) et à la musique de chambre de Charles Koechlin (Timpani 2012), ont été unanimement salués par la critique («Choc» Classica, 5* Diapason).
